第1个回答 推荐于2020-03-17
如何欣赏中国画?对中国画审美特征的理解会敏锐我们的直觉,欣赏时再结合想象,方能领略作品的文化背景和气韵、神韵、陶冶情怀。中国的书法与绘画是在一种特殊而古老的文明环境中产生的。几千年来,它们曾走过了从发端、童稚、成熟到升华变化,从实用到艺术化的漫长路程。毫不夸张地说,书与画是华夏民族的聪慧与创造力最集中的表现之一,并在某种意义上标志着华夏文明在古典文化艺术领域的最高水准。中国乃至东方世界对宇宙自然的看法,对社会人事的态度,对美与永恒性的追求,都在中国书画里得到了显化,并通过它们而获得了千百万炎黄子孙、东方朋友乃至世界各国朋友的认同。历代那些稚拙的或者雄健的或者秀美的碑帖法书,那些神秘的或灿烂的或淡雅的绘画名品,都是我们民族的精华——书画艺术家们(包括不知名姓的民间艺匠)以审美方式与主客体世界进行心灵对语的形象记录。这种对语有时达到了哲学化的高度,——在“若坐、若行、若飞、若动”的纵横笔画之间,在“有丰致、有缥缈”的笔情墨象之中,蕴含着情思,也体现着“道”,表现着人格乃至对生命宇宙的体验。可以说,每幅字、画都凝结着民族与时代的心态,积淀着民族精神的文化层。作为艺术,作为中国人心理意识结晶的书画艺术,就更不待言了。但不是每个人都能够在较高的层次上欣赏书画艺术。它是如此的丰富而悠久,精致而又神妙!要理解与感受神秘的陶绘,狞厉的青铜纹饰,静穆的佛像,意在笔墨之外的文人画和高度抽象、流动的书法点划结构,都需要一定的知识和修养。欣赏中国书画,允许欣赏者持的某种主观态度,这需要情感与想象。需要理性、确切的知识与判断。将二者合而为一,是笔者试图向读者提供的既引导欣赏,又介绍知识的文章。
传统中国画以毛笔、水墨、矿物质颜料、绢帛、宣纸等为工具(原料)从表现形式上分工笔画和写意画。人物画强调“传神”,通过对人物面部表情(特别是眼神的刻画)、肢体语言、环境等的表现,达到以形写神、突出人物的内心世界。山水画强调“诗情画意”表现雄壮粗犷或秀丽俊美的山式、云吞雾幕——情景交融的意境创造即:将大自然的美与文人逸趣(中国文化)紧密地糅合在一起,用高远、平远、深远(或合三远)法的结构画面,计白当黑的处理方式。花鸟画则以托物言志、借物抒怀;来赞美生命、歌颂大自然——挥洒“胸臆”。在笔墨色彩上讲究:1、笔法丰富、有力度,或浸润凝重、或枯涩快疾;或中锋、或逆锋、或侧锋、或拖笔、或散笔。2、墨法多层次的变化(五墨六彩——焦、浓、重、淡、清加上纸的颜色),或积墨、或破墨、或泼墨。3、色彩为随类赋彩等感性色彩,讲求墨气、沉着(色彩以墨骨为主,施以淡彩)并有工笔重彩。总体上追求传统文化(内在的)与以线造型的笔墨意趣(外显的)融合,即:诗情画意和“气韵”、“神韵”的表现。在造型上不拘泥于外形的肖似(逼真),而着重表现物象内在的“气韵”、“神韵”与画家“胸臆”的挥写(抒发)。在构图、透视上的处理有别于西方绘画,以多角度、多视点(移动)的“散点透视”来表现画家的主观意图自由组合空间。那幺我们究竟如何欣赏呢?笔者认为可从以下几个方面去欣赏:中国的历史、文化背景、文学艺术(诗情画意)和笔墨技巧以及中国画色彩的魅力等方面去品味(欣赏)中国画作品。本回答被网友采纳
第2个回答 2020-06-17
南齐谢赫的书《古画品录》,其中就提到:
气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写。
这便是后人称之的国画欣赏的“六法”。
气韵生动
气韵,如同人的气质。一个满腹诗书的人和一个贩夫走卒给人的感觉,就是气质上的不同。而这种感觉用到国画的描述上,就是指的气韵。
作品的气韵灵动,反映的是作者的文化底蕴、审美倾向、创作激情,这绝不是技法上的学习可以造就的,也就是说两个气韵相同的画家,不论派别师承,出来的作品会给人相似的感觉。气韵正是作品的精髓,功夫不在技法,不在画中,而在生活。
一副好画的精气神,是作品综合气质对欣赏者的视觉和心理冲击。观赏者能够感受到作品的气势,或闲适,或冷峻,或放旷不羁,这些感受都来自对气韵的理解。
骨法用笔
用笔表现在技法上,就是勾勒、点染、皴笔,而晕染、泼墨则是融合“点线面”为一体的技法。
除了色彩之外,绘画的基本支撑,即点、线、面三术。传统国画最讲线条:“平、留、圆、重、变”五笔和“浓、淡、破、积(渍)、焦、宿”六墨,就是指线条的顿挫、疏密、快慢、浓淡、干湿、粗细、虚实的组合搭配。
应物象形
这个就是指国画的内容了。我们知道国画分为工笔和写意,工笔者,笔法精致细密,讲究的是形像;写意者,笔法粗枝大叶,讲究的是神似。
但不论是工笔还是写意,国画都是以意为先。工笔画也是讲究的意会,有那样现实中的东西真的长成画里面那样?工笔画再像也不会像照片。因为底子还是神似,所以我们会了意,不自觉地忽略了这种差距,认为真像。实际上是画家抓住了事物的神韵并重现了出来。
国画应物象形的内涵是神似。
随类赋彩
国画中的用色,和“应物象形”一样,并不完全追求真实。画师们总能够通过色彩的运用来表现自己想突出表现的东西,给观赏者提示。淡雅、明艳、超然,都能够通过着色来表现。而水墨画里则以墨色的浓淡、深浅来表现。
经营位置
是指国画布局。和西方的画作比起来,国画的透视性差,是二维的,平面的。只有通过布局来营造旷远、高耸、深邃、宁静等往往需要用透视来表现的视觉效果。
这种手法是反自然的,却能给人艺术的观感和享受。比如《洛神图》、《韩熙载夜宴图》、《清明上河图》以及描绘皇家巡游的各种绘画作品,如果用透视法来表现,必将捉襟见肘,而国画的方法则显得游刃有余。
国画和诗词相同的地方,就在于经营位置里的留白。这是最能体现布局的功夫的,留白,能让观者看到没有画出的内容,以通过各自的想象里,获得各自不同的艺术感悟。
传移模写
这个是指国画的艺术技法的传承。国画作为一门传统艺术,对前人的学习和自身创新都非常重要。
“传”是传承,“移”是改进,“模”是学习,“写”是创新。
一个画家能不能把前人的技法灵活地运用到自己的画作里,那是要功夫和悟性的。而一个人的画毫无章法,则会被视为“瞎画”。
但是只会技法,没有个人风格,算不上好的作品。艺术讲究创新,不能给人新意,不能让人眼前一亮,那是“工匠之气”,永远称不了大家。
这种创新,必须以传统为基础,而不是凭空创造。
不懂国画的技法,不懂技法产生、发展的源流,是无法说出一幅画好在哪里,顶多只能说:“好看,我喜欢。”
这大都是出于一种直觉,也就是我们的六法之首的“气韵生动”,其实是我们感受到了画家的个人修养、价值倾向等内心素养的气质体现。
宋代文人画兴起之后,文化底蕴成为国画作品的精髓。
画者有底蕴,欣赏者也不能缺少啊。
第3个回答 2013-04-11
如何欣赏中国画?对中国画审美特征的理解会敏锐我们的直觉,欣赏时再结合想象,方能领略作品的文化背景和气韵、神韵、陶冶情怀。中国的书法与绘画是在一种特殊而古老的文明环境中产生的。几千年来,它们曾走过了从发端、童稚、成熟到升华变化,从实用到艺术化的漫长路程。毫不夸张地说,书与画是华夏民族的聪慧与创造力最集中的表现之一,并在某种意义上标志着华夏文明在古典文化艺术领域的最高水准。中国乃至东方世界对宇宙自然的看法,对社会人事的态度,对美与永恒性的追求,都在中国书画里得到了显化,并通过它们而获得了千百万炎黄子孙、东方朋友乃至世界各国朋友的认同。历代那些稚拙的或者雄健的或者秀美的碑帖法书,那些神秘的或灿烂的或淡雅的绘画名品,都是我们民族的精华——书画艺术家们(包括不知名姓的民间艺匠)以审美方式与主客体世界进行心灵对语的形象记录。这种对语有时达到了哲学化的高度,——在“若坐、若行、若飞、若动”的纵横笔画之间,在“有丰致、有缥缈”的笔情墨象之中,蕴含着情思,也体现着“道”,表现着人格乃至对生命宇宙的体验。可以说,每幅字、画都凝结着民族与时代的心态,积淀着民族精神的文化层。作为艺术,作为中国人心理意识结晶的书画艺术,就更不待言了。但不是每个人都能够在较高的层次上欣赏书画艺术。它是如此的丰富而悠久,精致而又神妙!要理解与感受神秘的陶绘,狞厉的青铜纹饰,静穆的佛像,意在笔墨之外的文人画和高度抽象、流动的书法点划结构,都需要一定的知识和修养。欣赏中国书画,允许欣赏者持的某种主观态度,这需要情感与想象。需要理性、确切的知识与判断。将二者合而为一,是笔者试图向读者提供的既引导欣赏,又介绍知识的文章。
第4个回答 2006-07-27
很难用三言两语表述清楚~
中国画在世界上是独一无二的,这不仅仅因为我们的历史深厚久远,大师如林,名作浩如烟海,更因为它异常独特,民族个性鲜明。
中国画以线作为造型的手段,其敏锐,直接的表达客观形象和亲和自然的能力是其他造型方法不能比拟的。关键:线文化,神韵,线造型,意想……